El cine mexicano, desde sus inicios, ha sido un espejo de la identidad nacional y un actor influyente en la cultura cinematográfica mundial. Su evolución ha narrado historias locales y ha influido en la cultura global, destacando por su riqueza artística y social.​

El cine llegó a México en 1896, poco después de su invención en Francia. Inicialmente, se centró en documentales que capturaban la vida cotidiana del Porfiriato. La transición al cine sonoro en 1931 marcó un hito con la película “Santa”, dando inicio a la Época de Oro del cine mexicano. Durante las décadas de 1940 y 1950, películas como “Allá en el Rancho Grande” y “Flor Silvestre” consolidaron a México como un referente cinematográfico en América Latina y más allá. Estudios como Churubusco y San Ángel fueron fundamentales en este auge, produciendo obras que exploraban desde comedias rancheras hasta dramas sociales.​

El cine mexicano también ha sido una herramienta de denuncia y reflexión. El documental “El Grito” (1968) es un ejemplo emblemático, al capturar el movimiento estudiantil y la represión gubernamental, convirtiéndose en un testimonio histórico invaluable. Asimismo, películas como “Los olvidados” (1950) de Luis Buñuel abordaron temas de pobreza y marginación, ganando reconocimiento internacional y destacando la capacidad del cine mexicano para tratar temas universales con profundidad y sensibilidad.​

A partir de los años 90, el Nuevo Cine Mexicano revitalizó la industria con propuestas frescas y audaces. Películas como “Amores Perros” de Alejandro González Iñárritu, “Y Tu Mamá También” de Alfonso Cuarón y “El Laberinto del Fauno” de Guillermo del Toro obtuvieron reconocimiento internacional, destacando en festivales y premiaciones globales. Estas obras abordaron temas como la identidad, la desigualdad y la violencia, resonando con audiencias de todo el mundo.

En la actualidad, cineastas mexicanos continúan explorando nuevas narrativas y géneros. Patricia Riggen, por ejemplo, ha destacado en el cine de acción con películas como “G20”, protagonizada por Viola Davis, abordando temas de representación femenina en la industria cinematográfica. Diego Luna, por su parte, dirige “Ceniza en la boca”, una adaptación de la novela de Brenda Navarro que aborda la experiencia migrante en España, reflejando la realidad de muchos latinoamericanos en el extranjero. ​

Además, documentales como “Tratado de invisibilidad” de Luciana Kaplan, que denuncia la explotación laboral en Ciudad de México, han sido reconocidos en festivales internacionales, como el Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián. ​

El cine mexicano ha sido y sigue siendo una fuerza poderosa en la cultura mundial. Desde sus inicios hasta la actualidad, ha reflejado la complejidad de la sociedad mexicana y ha influido en la percepción global de México. Con una rica historia y una constante evolución, el cine mexicano continúa siendo un vehículo para la expresión cultural, la denuncia social y la innovación artística.

En el amplio espectro del cine mexicano de los años sesenta, El espejo de la bruja (1962), dirigida por Chano Urueta, destaca como una obra que dialoga con el horror gótico clásico mientras insinúa las tensiones sociales de su tiempo. En esta cinta, la figura de la bruja se convierte en una alegoría tanto de poder femenino reprimido como de la lucha moral entre el deseo y la culpa, mediante un lenguaje cinematográfico cargado de símbolos, atmósferas densas y una puesta en escena teatral que multiplica el efecto del discurso.

La película narra la historia de Sara, una bruja que busca vengar la muerte de su hija a manos de un médico, quien la llevó al suicidio tras rechazarla por casarse con otra mujer. Con el uso de un espejo mágico, Sara canaliza su furia, desatando una serie de muertes que envuelven a la familia del médico. Desde lo visual, la película aprovecha con maestría los recursos del expresionismo: sombras alargadas, interiores claustrofóbicos, espejos, escaleras y niebla contribuyen a construir un entorno asfixiante donde lo fantástico es inseparable de la crítica social.

La cámara de Urueta privilegia los encuadres cerrados y los contrapicados para subrayar el dominio simbólico de la bruja, figura que, aunque representada como un agente del mal, contiene una complejidad poco común en el cine de género de la época. El ritmo pausado y los silencios prolongados contribuyen a generar una tensión constante, más cercana al melodrama gótico que al horror visceral.

El film se inscribe en una tradición de representación femenina ambigua. La bruja, históricamente vinculada al saber prohibido y la subversión, encarna aquí tanto la venganza como la justicia. En un contexto mexicano marcado por el patriarcado institucionalizado y la moral católica, el personaje de Sara puede leerse como una figura transgresora, cuyas acciones desafían las estructuras normativas: médicas, familiares, religiosas.

El espejo, más allá de su función mágica, actúa como una herramienta de enunciación. A través de él, Sara no solo observa el mundo, sino que lo interviene. Este dispositivo articula una crítica implícita al lugar que ocupa la mujer dentro de la narrativa nacional: condenada al silencio, pero con la posibilidad de irrumpir cuando se le niega la justicia.

Aunque El espejo de la bruja puede parecer una obra menor dentro del cine fantástico mexicano —opacada por títulos más populares de El Santo o por el realismo de la Época de Oro—, su valor reside en la manera en que logra combinar lo fantástico con una mirada crítica sobre la moralidad. El discurso que articula no solo pone en tela de juicio el rol del médico como figura incuestionable de poder, sino que también desmitifica la familia como núcleo de virtud, al exhibir sus hipocresías y fracturas.

El espejo de la bruja es más que una película de horror: es un reflejo turbio de las tensiones culturales, religiosas y de género que atravesaban al México de los sesenta. Su forma estilizada y su carga simbólica la colocan como una obra que merece ser revisitada no solo por cinéfilos del horror, sino por quienes buscan en el cine un espejo crítico de la sociedad.

La industria cinematográfica mexicana enfrenta una dura realidad: una red de abusos laborales y situaciones de explotación que afectan a muchos de sus trabajadores. Aunque el cine mexicano ha sido un pilar para la cultura del país, los abusos dentro del sector parecen ser un fenómeno bastante común, y lejos de terminar.

El libro Trabajar en la industria fílmica: Experiencia laboral y costos subjetivos, escrito por Aiko Alonso, Edgar Belmont, Cristián Calónico, Claudia Garibaldi y Claudia Loredo, revela con detalle las problemáticas que los trabajadores enfrentan en el sector. Este estudio subraya cómo la informalidad y la falta de políticas laborales adecuadas están dejando a los cineastas y trabajadores de la producción en una situación de vulnerabilidad extrema. En este sentido, Claudia Garibaldi, una de las autoras del libro, señala que la falta de conciencia política en la industria impide que los trabajadores se reconozcan como tales, bloqueando la posibilidad de que se protejan y reivindiquen sus derechos.

Los datos ofrecidos en esta investigación muestran una realidad alarmante: el 46% de los trabajadores de entre 25 y 44 años que forman parte de la industria cinematográfica mexicana experimentan inestabilidad emocional, inseguridad económica y depresión debido a la ausencia de prestaciones sociales. El estudio también revela que, mientras que el 38% de los hombres en el sector han pensado en abandonar la industria, esa cifra asciende al 55% en el caso de las mujeres, y al 90% entre las personas no binarias o transgénero.

Estos datos no son un caso aislado, ya que las denuncias de abuso sexual y acoso en la industria han cobrado notoriedad en los últimos años. Más de 50 mujeres de México, España y Colombia han acusado al cineasta Eduard Cortés de ofrecerles trabajo a cambio de favores sexuales, un patrón de comportamiento que demuestra la impunidad con la que operan muchos cineastas y productores. La gravedad de estas acusaciones se ve aún más reflejada en la dificultad de las víctimas para obtener justicia, debido a la falta de pruebas físicas y la prescripción de los delitos, lo que pone de manifiesto una vez más la ineficacia del sistema legal para hacer frente a estos abusos.

Un caso más reciente de controversia es el escándalo relacionado con el doblaje latino de Shrek 5. El actor Alfonso Obregón, conocido por su papel de Shrek, fue detenido por acusaciones de abuso sexual contra sus alumnas. Aunque fue liberado por falta de pruebas, las implicaciones sobre su participación en el proyecto aún persisten, mientras Eugenio Derbez, quien presta su voz a Burro, ha expresado su preocupación por las restricciones creativas impuestas por el nuevo equipo de producción, lo que pone en tela de juicio el ambiente laboral dentro del doblaje latinoamericano.

Estos episodios son solo la punta del iceberg. Muchos en la industria señalan que la corrupción y la desigualdad son problemas endémicos que afectan el desarrollo y la estabilidad del cine mexicano. Edgar San Juan, reconocido productor, denuncia que “en México parece que entre más corrupto seas, más lejos puedes llegar”. Esta afirmación refleja el sentimiento generalizado de que la industria está gobernada por una élite que se beneficia del abuso de los más vulnerables.

Ante este panorama, la necesidad urgente de reformas es evidente. Es fundamental que se implementen políticas públicas que promuevan condiciones laborales dignas, que eliminen la violencia de género y que protejan a todos los involucrados en el cine mexicano. Además, se requiere la creación de mecanismos eficaces para prevenir los abusos y sancionar a quienes los cometen, asegurando un entorno seguro y justo para los cineastas, actores, y técnicos que hacen posible el cine nacional.

Solo con una transformación estructural en la industria se podrá garantizar un futuro en el que la creatividad y el talento prevalezcan, sin que se vean empañados por prácticas que socavan la dignidad de quienes hacen posible este hermoso arte.

Estrenada en 1978, El lugar sin límites, de Arturo Ripstein, se ha consolidado como una de las películas más importantes del cine mexicano. Adaptada de la novela de José Donoso, la cinta no solo destaca por su impecable dirección y su estética sombría, sino también por su feroz crítica social y su subversión de los estereotipos de género. A más de cuatro décadas de su estreno, sigue siendo un retrato incómodo de una sociedad atrapada en la violencia y la hipocresía.

Ripstein construye un universo visual que refuerza el encierro físico y emocional de los personajes. La fotografía de Miguel Garzón, dominada por colores terrosos y sombras marcadas, encierra a los protagonistas en un pueblo asfixiante, donde el destino parece inamovible, casi como un mal sueño.

Las tomas largas y los encuadres cerrados convierten los espacios en prisiones. El prostíbulo donde transcurre la mayor parte de la historia no es solo un negocio en decadencia, sino una representación del país mismo: un lugar donde se transgreden las normas en privado, pero donde la violencia y la discriminación siguen dictando las reglas de la vida.

La película sigue a la Manuela (Roberto Cobo), un travesti frágil pero desafiante que administra un prostíbulo junto con su hija adoptiva, La Japonesita (Ana Martín). La llegada de Pancho (Gonzalo Vega), un hombre atrapado en su propia crisis de identidad, desata un conflicto que desemboca en la crónica de una desesperación anunciada.

El guion de José Emilio Pacheco, lejos de enfatizar el dramatismo de la historia, apuesta por la contención. Los diálogos y silencios construyen una tensión constante, donde el deseo reprimido y la violencia contenida se entrelazan hasta volverse inseparables.

Pancho representa el dilema de la masculinidad en un entorno que no admite fisuras. Su atracción por la Manuela es innegable, pero también lo es su necesidad de negarla. Esta contradicción lo convierte en un personaje que oscila entre la vulnerabilidad y la brutalidad, incapaz de aceptar su propia identidad.

Más allá del drama individual, El lugar sin límites es una crítica feroz a un México dominado por el machismo y la violencia estructural. La figura de Don Alejo (Fernando Soler), el cacique del pueblo, encarna el poder corrupto que impone el orden a su conveniencia.

En este contexto, la Manuela no solo es un personaje transgresor, sino una víctima de un sistema que no tolera lo diferente. Su muerte no es un castigo narrativo, sino una consecuencia lógica de una sociedad que se resiste al cambio.

A diferencia de otras producciones mexicanas de su época, El lugar sin límites no busca el impacto fácil ni la redención de sus personajes. Su crudeza radica en su honestidad: la violencia no es un giro narrativo, sino una constante.

Ripstein construye una historia que sigue incomodando porque expone las contradicciones de una sociedad que, a pesar del paso del tiempo, sigue debatiéndose entre la negación y la aceptación de su propia diversidad. En este sentido, la película no solo es un referente del cine mexicano, sino un recordatorio de que el cine puede y debe desafiar las normas establecidas.

El cine independiente ha sido, desde sus orígenes, un espacio de resistencia y creatividad. En Estados Unidos y México, esta vertiente cinematográfica ha logrado posicionarse como una alternativa a la hegemonía de los grandes estudios, ofreciendo relatos más personales, críticos y arriesgados. Sin embargo, el panorama actual presenta tanto oportunidades como desafíos que definirán su futuro.

Este tipo de cine en Estados Unidos ha demostrado que aún puede abrirse camino en la industria, incluso en la temporada de premios. Un ejemplo reciente es Anora, de Sean Baker, que no solo conquistó la crítica, sino que también se llevó cinco premios Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Dirección. La cinta, que retrata la vida de una trabajadora sexual en Nueva York, destacó por su autenticidad y narrativa arriesgada, demostrando que el cine indie puede competir al más alto nivel.

Además, festivales como Sundance continúan siendo trampolines para nuevas voces. Bajo la dirección de Eugene Hernandez, este evento ha impulsado la visibilidad de cineastas emergentes, especialmente aquellos de comunidades marginadas, ampliando la diversidad de perspectivas en la pantalla grande.

No obstante, en EE.UU. sigue enfrentando barreras significativas. La industria está dominada por estudios que apuestan por fórmulas probadas, limitando la distribución de propuestas innovadoras. Además, la creciente dependencia de algoritmos en plataformas de streaming puede relegar las producciones independientes a un segundo plano, reduciendo su impacto en el mercado.

En México, el cine independiente ha sido una herramienta fundamental para la exploración de problemáticas sociales y culturales. Cineastas como Alonso Ruizpalacios han utilizado su obra para reflexionar sobre la realidad del país y cuestionar estructuras de poder. Sin embargo, las dificultades para financiar y distribuir estas producciones siguen siendo un obstáculo constante.

Actualmente, el cine indie representa apenas el 3.3% de los ingresos de la industria mexicana y ocupa solo el 2.8% de las pantallas del país. A esto se suma el hecho de que solo el 30% de las películas producidas en México llegan a salas comerciales, dejando a muchas obras sin acceso a una audiencia amplia.

Para contrarrestar esta situación, han surgido iniciativas que buscan fortalecer la exhibición y comercialización del cine independiente en el país. Sin embargo, la falta de políticas públicas sólidas y el dominio del cine comercial siguen limitando las oportunidades de crecimiento de este sector.

A pesar de los desafíos, el cine independiente sigue demostrando su capacidad de adaptación. La digitalización y las plataformas de streaming han abierto nuevas oportunidades para la distribución de estas producciones, permitiendo que historias que antes no tenían cabida en salas comerciales ahora lleguen a una audiencia global.

No obstante, la sostenibilidad del cine independiente dependerá de la creación de estrategias que permitan su financiamiento y exhibición. Festivales, plataformas digitales y políticas de apoyo serán clave para garantizar su viabilidad y su impacto en la industria cinematográfica.

En un contexto donde las audiencias buscan cada vez más propuestas originales y alejadas de las narrativas convencionales, el cine independiente tiene la oportunidad de consolidarse como una fuerza creativa indispensable. Su futuro dependerá de la capacidad de cineastas, promotores culturales y legisladores para defender y fortalecer un espacio que, a pesar de las dificultades, sigue siendo el alma de la innovación cinematográfica.

El Alcalde Enrique Galindo Ceballos visitó el set acompañado de la Presidenta del DIF Municipal, Estela Arriaga Márquez, la escritora Ángeles Mastretta y de la Directora de Turismo, Claudia Peralta Antiga, para dar la bienvenida al equipo de producción. Durante el recorrido, reafirmó el compromiso del Gobierno de la Capital para impulsar proyectos que promuevan el desarrollo cultural y turístico.

El Alcalde Enrique Galindo Ceballos destacó la importancia de esta filmación, que no solo proyecta la riqueza histórica de San Luis Potosí a nivel internacional, sino que también genera derrama económica y oportunidades para el sector turístico y comercial. “Nuestra ciudad tiene escenarios únicos y seguiremos trabajando para que más producciones la elijan como su casa”, afirmó. Por su parte, la Directora de Turismo Municipal, Claudia Peralta Antiga, subrayó que este tipo de producciones contribuyen a posicionar a San Luis Capital como un destino cinematográfico de alto nivel.

La escritora Ángeles Mastretta, autora de la novela Mal de Amores, participará en las actividades del 8M organizadas por el Ayuntamiento; este miércoles dará la conferencia Mujeres de Ojos Grandes, en el Centro Cultural Palacio Municipal.

Entre los estrenos destacan “Saturday Night: la noche que cambió la comedia” (2024), un documental que revela los 90 minutos previos a la primera transmisión del icónico programa Saturday Night Live; “Presencia” (2025), un thriller sobrenatural que narra la historia de una familia y una entidad oscura que habita su nuevo hogar; “Mickey 17” (2025), un filme de ciencia ficción protagonizado por Robert Pattinson, quien interpreta a un trabajador dispuesto a morir para cumplir su labor; y “Las hijas del maguey” (2024), un documental que visibiliza el liderazgo de las mujeres en la industria del mezcal, destacando su lucha por precios justos y la preservación ambiental.

Las personas interesadas pueden consultar horarios, sinopsis y detalles adicionales en las redes sociales oficiales de Cineteca Alameda. Los boletos están disponibles en taquilla de lunes a domingo, de 13:00 a 21:00 horas, y en línea mediante la plataforma arema.mx. Los costos son de
$25 pesos estudiantes y personas beneficiarias de INAPAM, y $40 pesos entrada general, más cargo por servicio.

La película Macario (1960), dirigida por Roberto Gavaldón y basada en la novela de B. Traven, es una de las obras más significativas del cine mexicano. Más allá de su narrativa y puesta en escena, esta película se cimenta en un complejo entramado simbólico que articula la cosmovisión mexicana sobre la muerte, el destino y la lucha por la trascendencia, pero ¿Qué hace tan especial a Macario?

Desde su inicio, la película introduce una serie de símbolos que establecen el tono de la historia. El protagonista, un campesino pobre, representa la lucha de la humanidad contra la injusticia y la imposibilidad de escapar del destino. Su obsesión con saciar su hambre antes de compartir un alimento con su familia habla de la precariedad del mundo indígena y rural de la época colonial.

Tres figuras clave se presentan como fuerzas determinantes en la vida de Macario: el Diablo, Dios y la Muerte. Cada una de ellas tiene un significado en la mitología judeocristiana y en el imaginario popular mexicano. El Diablo ofrece riqueza material, Dios promete salvación, pero solo la Muerte es honesta y justa: su poder trasciende cualquier orden social, lo que refleja una visión fatalista y profundamente igualitaria de la muerte en la cultura mexicana.

La escena en la que Macario recibe el agua milagrosa de la Muerte es un punto crucial en la narración. Este líquido se convierte en un símbolo de poder, pero también de transgresión. Macario desafía el orden natural al intentar manipular la línea entre la vida y la muerte, lo que inevitablemente lo lleva a su propia condena. Este motivo es recurrente en las tragedias clásicas, donde el protagonista, al intentar desafiar su destino, termina atrapado en su propia fatalidad.

La película articula una visión filosófica sobre la muerte que remite tanto a la tradición prehispánica como al existencialismo moderno. La figura de la Muerte no es una fuerza malévola, sino una presencia inevitable y justa. Esta visión coincide con la manera en que las culturas mesoamericanas concebían la muerte no como un final absoluto, sino como un tránsito hacia otra existencia.

Macario emplea una estética que combina el realismo mágico con el expresionismo. La fotografía en blanco y negro de Gabriel Figueroa resalta los contrastes entre la vida y la muerte, la luz y la sombra, lo mundano y lo sobrenatural. Las composiciones de sus encuadres, con un uso recurrente de la profundidad de campo, reflejan la sensación de un destino inminente que acecha al protagonista.

Las locaciones, como los bosques oscuros y las calles empedradas de la época colonial, crean una atmósfera de misterio y misticismo. La escena del mundo de los muertos, donde Macario ve miles de velas representando las vidas humanas, es una de las más impactantes en la historia del cine mexicano. Este recurso visual refuerza la idea de que la vida es efímera y que el control sobre el destino es solo una ilusión.

El uso del sonido también es clave en la construcción del significado. La música incidental subraya el carácter etéreo y trágico de la historia, mientras que los silencios prolongados intensifican la sensación de inevitabilidad. El tono pausado de los diálogos y el ritmo de la edición refuerzan la sensación de que todo en la película está guiado por una fuerza ineludible.

Al final Macario es una obra maestra del cine mexicano no solo por su calidad cinematográfica, sino por su riqueza simbólica y filosófica. La película es una exploración de la relación del ser humano con la muerte, el destino y la moralidad, temas universales que trascienden su contexto histórico. Al abordar la cosmovisión mexicana con un enfoque estético y narrativo de gran profundidad, Macario se consolida como una obra imprescindible que sigue resonando en el cine y en la memoria cultural de nuestro país.

Claudia Lorena Peralta Antiga, Directora de Turismo de San Luis Capital, destacó que esta producción representa una gran oportunidad para la promoción del municipio en la industria audiovisual, lo que refuerza a la ciudad como un punto clave para el desarrollo de proyectos cinematográficos.

La producción cuenta con un elenco conformado por Renata Vaca, Iván Amozurrutia, Juan Pablo Fuentes, Humberto Zurita, Miguel Rodarte, Diana Bovio, Cassandra Ciangherotti, Juan Pablo Medina, Alejandro Puente y Sofía Carrera. La producción está encabezada por José Nacif y Ramiro Ruiz, con la dirección de Humberto Hinojosa y guión de Catalina Aguilar Mastretta, Fernanda Eguiarte y Daniela Gómez.

Este rodaje se suma a otros esfuerzos del Gobierno Municipal, encabezado por el Alcalde Enrique Galindo, que buscan fortalecer la proyección de San Luis Capital como un destino cultural e histórico de relevancia nacional e internacional.

Hace un tiempo, me acerqué a Aldo Patlán, actual director de la Cineteca Alameda de San Luis Potosí, para realizar una entrevista sobre la historia de este emblemático edificio. A través de la iniciativa de Región Centro, quise conocer más sobre cómo este espacio ha evolucionado y cómo se ha mantenido como un referente cultural para la ciudad. En nuestra conversación, Aldo compartió detalles sobre el origen del recinto, su impacto en la comunidad y los proyectos de expansión que están en marcha.

La Cineteca Alameda de San Luis Potosí, un edificio que data de 1941, siendo un referente cultural en la ciudad, pero pocos saben que originalmente no fue pensada como una cineteca. Aldo Patlán, actual director del recinto, explica que el cine fue construido con la intención de ser un cine-teatro, una sala de lujo con arquitectura neocaliforniana. “Este cine no fue creado con la intención de ser una cineteca. Fue diseñado y edificado en 1941 como un cine, un cine-teatro. Es un cine muy antiguo, uno de esos grandes que ya no quedan en el país”, afirma Patlán. De hecho, la Cineteca Alameda es una de las tres salas idénticas construidas por el arquitecto Carlos Crombet, una de las cuales desapareció para dar paso a la modernidad. “La de San Luis Potosí es la única que queda, y la verdad, la hace aún más valiosa”.

El edificio, aunque restaurado en los años 2000, conserva muchos de sus elementos originales, como la fachada y el foro principal, que se han mantenido intactos. Sin embargo, Patlán recuerda que el techo se desplomó cuando el cine estuvo cerrado por años. “El techo se cayó cuando el cine estuvo abandonado a finales de los 90, pero lo restauramos. Lo que ustedes ven restaurado sigue siendo el original”. La historia del lugar también está envuelta en rumores, como la leyenda de un trabajador que perdió la vida durante las obras de restauración, un evento que algunos aseguran dejó una presencia fantasmal en el edificio. “La gente cree que está embrujado porque es viejo. Yo nunca he tenido experiencias raras, he trabajado aquí hasta las 3 o 4 de la mañana y nada raro ha pasado”.

Para Aldo, la importancia de la Cineteca no solo radica en su arquitectura y su historia, sino también en el impacto que ha tenido en la cultura potosina. “Este es un cine de barrio. Los barrios de San Sebastián, Tlaxcala, San Agustín y San Miguelito, entre otros, se congregaban aquí para ver sus películas”, afirma el director, aludiendo a cómo la programación del cine estuvo siempre orientada al cine popular y familiar. “Recuerdo que los potosinos de los 70s, 80s y 90s todavía se acuerdan de Caballeros del Zodiaco. Es un cine que la gente quiere mucho, porque tiene historia y tradición”.

En los últimos años, la Cineteca ha experimentado un crecimiento continuo, con nuevas salas, una renovada dulcería y proyectos en marcha. Se destaca algunas de las iniciativas recientes, como la creación de una sala más experimental y cultural, y un proyecto en la terraza. “Estamos trabajando en una colaboración con jóvenes cineastas, y el lugar está creciendo por sí mismo porque la gente lo pide. La gente está formándose en cine, están teniendo intereses y eso nos tiene contentos. Estamos muy felices de mantener vivo este edificio que, en algún momento, se pensó que estaba perdido”, comenta Patlán.

La Cineteca no solo ha sido un lugar para ver cine, sino también para vivir experiencias únicas. Patlán menciona eventos como el festival de stand-up Black and Chrome, que se ha consolidado como uno de los más grandes de Latinoamérica, y los conciertos sinfónicos que han llenado el lugar en varias ocasiones. Además, la Cineteca sigue ofreciendo estrenos importantes. “Estamos ampliando nuestra oferta cultural. Además de las películas, tenemos otros tipos de eventos, y eso lo hace un lugar mucho más dinámico y diverso”.

Para Aldo, la restauración de la Cineteca no solo es un proyecto arquitectónico, sino una forma de conectar con la comunidad. “Cuando la administración actual, encabezada por el Gobernador Ricardo Gallardo, decidió abrir la Cineteca, nuestra principal encomienda fue que estuviera abierta para todos los potosinos”, afirma Patlán. “No solo el foro principal y su historia, sino que también hemos mostrado el túnel de los famosos túneles de San Luis y la terraza, la gayola, que era el tercer piso de la cineteca”, menciona.

Finalmente, Patlán destaca el trabajo en equipo como el pilar fundamental para el éxito de la Cineteca. “Mi conexión más fuerte con la Cineteca es mi equipo. Sin ellos, nada de esto sería posible”, asegura. A pesar de los desafíos que conlleva dirigir un lugar con tanta historia, Patlán siente que su labor es más importante que nunca. “No es mi edificio, no voy a estar aquí toda la vida. Lo importante es que lo que dejemos sea para el beneficio de los potosinos, para que encuentren en la Cineteca un lugar al que puedan venir siempre que quieran disfrutar de cine”, concluye. Como muestra del referente que es dirigir y llevar estos espacios de cultura al imaginario Potosino.

Apéndice: 

El cine inaugurado en 1941 por Don Alfredo Lazo de la Vega y su esposa, Adelina Lozano, marcó una época en San Luis Potosí, tanto por su éxito como por su conexión con una familia de gran arraigo en la ciudad. Alejandro Gerling Comes compartió detalles de esta historia familiar: “Este cine, mire, fue fundado por Don Alfredo Lazo de la Vega, que estaba casado con Adelina Lozano. Eran familias de aquel entonces en San Luis Potosí, y todavía hay descendientes de esa familia, ¿verdad?”.

Gerling destacó la relevancia del cine en su momento, no solo como espacio de entretenimiento sino también como símbolo de innovación. “Inclusive llegó a tener súper, ¿verdad? Que hasta una alberca. Lo supe por personal que trabajó aquí, porque yo llegué a venir al cine desde hace muchos años. Encendían muy bonitas las luces de las casitas o balcones, y había gradas especialmente para políticos, ahí en la planta baja. Era algo muy especial, ¿verdad?”.

“Los hijos de Don Alfredo vivieron muchos años en Carranza, entre las calles de Terrazas y Avanzada. Había unas casas muy parecidas, y por la parte de atrás vivía uno de sus hijos”, añadió Gerling. Aunque gran parte de esa generación ha fallecido, el entrevistado enfatizó la importancia de preservar estas historias: “Lo sé porque mi mamá, que sabía mucha historia, me comentaba todo esto. Aprecio mucho esta conexión familiar”.