El cine mexicano, desde sus inicios, ha sido un espejo de la identidad nacional y un actor influyente en la cultura cinematográfica mundial. Su evolución ha narrado historias locales y ha influido en la cultura global, destacando por su riqueza artística y social.​

El cine llegó a México en 1896, poco después de su invención en Francia. Inicialmente, se centró en documentales que capturaban la vida cotidiana del Porfiriato. La transición al cine sonoro en 1931 marcó un hito con la película “Santa”, dando inicio a la Época de Oro del cine mexicano. Durante las décadas de 1940 y 1950, películas como “Allá en el Rancho Grande” y “Flor Silvestre” consolidaron a México como un referente cinematográfico en América Latina y más allá. Estudios como Churubusco y San Ángel fueron fundamentales en este auge, produciendo obras que exploraban desde comedias rancheras hasta dramas sociales.​

El cine mexicano también ha sido una herramienta de denuncia y reflexión. El documental “El Grito” (1968) es un ejemplo emblemático, al capturar el movimiento estudiantil y la represión gubernamental, convirtiéndose en un testimonio histórico invaluable. Asimismo, películas como “Los olvidados” (1950) de Luis Buñuel abordaron temas de pobreza y marginación, ganando reconocimiento internacional y destacando la capacidad del cine mexicano para tratar temas universales con profundidad y sensibilidad.​

A partir de los años 90, el Nuevo Cine Mexicano revitalizó la industria con propuestas frescas y audaces. Películas como “Amores Perros” de Alejandro González Iñárritu, “Y Tu Mamá También” de Alfonso Cuarón y “El Laberinto del Fauno” de Guillermo del Toro obtuvieron reconocimiento internacional, destacando en festivales y premiaciones globales. Estas obras abordaron temas como la identidad, la desigualdad y la violencia, resonando con audiencias de todo el mundo.

En la actualidad, cineastas mexicanos continúan explorando nuevas narrativas y géneros. Patricia Riggen, por ejemplo, ha destacado en el cine de acción con películas como “G20”, protagonizada por Viola Davis, abordando temas de representación femenina en la industria cinematográfica. Diego Luna, por su parte, dirige “Ceniza en la boca”, una adaptación de la novela de Brenda Navarro que aborda la experiencia migrante en España, reflejando la realidad de muchos latinoamericanos en el extranjero. ​

Además, documentales como “Tratado de invisibilidad” de Luciana Kaplan, que denuncia la explotación laboral en Ciudad de México, han sido reconocidos en festivales internacionales, como el Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián. ​

El cine mexicano ha sido y sigue siendo una fuerza poderosa en la cultura mundial. Desde sus inicios hasta la actualidad, ha reflejado la complejidad de la sociedad mexicana y ha influido en la percepción global de México. Con una rica historia y una constante evolución, el cine mexicano continúa siendo un vehículo para la expresión cultural, la denuncia social y la innovación artística.

Los olvidados de Luis Buñuel es una película que trasciende su época y su contexto para abordar problemas sociales universales. En su guion, Buñuel no solo cuenta la historia de un grupo de jóvenes en los márgenes de la sociedad, sino que plantea una reflexión profunda sobre las estructuras que perpetúan la pobreza y la violencia. A través de Pedro, el protagonista, y los demás personajes, se revela un retrato de la desesperanza que no se reduce solo a la miseria económica, sino a un ciclo de exclusión social donde el entorno determina los destinos de los individuos.

El guion es esencialmente una construcción de situaciones que no solo nos muestran el sufrimiento de los personajes, sino que nos invitan a entender cómo ese sufrimiento está íntimamente ligado a la falta de oportunidades, al vacío emocional y al abandono social. Cada escena está cargada de significado, y lo que podría parecer un simple acto de violencia o de desobediencia juvenil, es en realidad una manifestación de las estructuras sociales que empujan a los jóvenes hacia esos comportamientos.

Lo que hace que la historia sea aún más poderosa, es cómo Buñuel emplea el simbolismo para hacer visibles los temas que aborda. La imagen del “sueño” de Pedro, por ejemplo, muestra cómo la mente de los personajes busca escapar de la dura realidad que enfrentan. La tensión entre el deseo de algo mejor y la imposibilidad de alcanzarlo está presente a lo largo de la película, creando una atmósfera de constante frustración.

Más allá del análisis de los personajes y la trama, es importante señalar cómo el guion no cae en la trampa de ofrecer respuestas fáciles. No hay una moral simple ni una solución clara. La película no nos ofrece un final feliz ni siquiera una salida aparente para los jóvenes, lo que la hace aún más relevante. En lugar de dejarse llevar por la narrativa tradicional, Buñuel opta por mostrar la cruel realidad de una sociedad que se desentiende de los más vulnerables.

Entre los personajes también destaca la figura de la madre, quien, aunque en principio podría parecer un arquetipo tradicional, es también víctima del mismo sistema que condena a su hijo. El guion profundiza en las dinámicas familiares, mostrando cómo el desarraigo y la desintegración familiar son reflejo de las carencias sociales más amplias. La madre, aunque intenta proteger a su hijo, es incapaz de ofrecerle una salida por la falta de recursos y apoyo. Esta situación refleja la impotencia de las clases bajas, atrapadas entre las promesas vacías de la sociedad y la cruda realidad de su entorno.

Buñuel, con su capacidad para mezclar lo real con lo simbólico, logra un guion que no solo tiene un gran impacto emocional, sino que invita a la reflexión sobre la responsabilidad colectiva en la creación de las condiciones que perpetúan la pobreza y la violencia. La película no es solo un relato sobre unos jóvenes olvidados por la sociedad, sino una crítica a la propia sociedad que los olvida. Un relato perfecto a la contemporaneidad que habla sobre esta separación de clases tan marcada en el país.